Sanofi

En partenariat avec Artpoint, Sanofi vous offre l’expérience de l’art numérique. Découvrez chaque mois une nouvelle collection artistique et retrouvez ici les détails de l’exposition actuelle !

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Industrial Production

Industry moves to its own rhythm: that of machines in motion, repeated gestures, and assembly lines in constant operation. Through this theme, digital art explores industrial production to reveal its poetry and ingenuity, celebrating the precision, harmony, and hypnotic beauty of repetition. This selection brings together works that transform mechanical rhythms, loops, and assembly lines into a visual playground where creativity, imagination, and fascination coexist.

For Kaoru Tanaka, a self-taught artist based in Osaka, repetition becomes a living material. Her visual feedback loops, fueled by interaction, bring together the organic nature of humans and the mechanical precision of computer programming. Her works unfold in shimmering strata, constantly shifting and overlapping like the layers of an endless process, revealing the harmony between industrial precision and organic movement.

Nogland, an American artist known for his colorful and surreal worlds, transforms the traditional factory into a place of imagination and wonder. His dynamic, pop-inspired fantasies reinvent the logic of industrial production, creating extraordinary structures where dreams are brought to life. Through his whimsical universe, we are invited to discover the creative possibilities of the systems and processes that shape our modern world.

Based in Stockholm, artistic director Andreas Wannerstedt orchestrates perfectly synchronized and strangely satisfying movements that play with the laws of physics. In his work, harmonious forms and playful geometry flow together in a hypnotic ballet, echoing the precision and rhythm of factory conveyor belts while leaving viewers relaxed and contemplative. Here, industrial movement takes on a gentle, almost soothing quality, celebrating its mechanical beauty in the digital realm.

Together, these three artists create a captivating interlude where factories, machines, and production processes become sources of wonder and imagination. An invitation to rediscover the beauty of industrial creation through curiosity, creativity, and a fresh perspective.

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Andreas Wannerstedt

Andreas Wannerstedt est un artiste numérique et directeur artistique autodidacte basé à Stockholm, qui réalise des sculptures 3D uniques et des animations hypnotiques. L'univers d'Andreas est à la fois sophistiqué et fantaisiste, avec des formes géométriques simples et ludiques dans des compositions équilibrées, ainsi que des textures organiques et des palettes de couleurs harmonieuses. Ses animations parfaitement synchronisées ont souvent été décrites comme "étrangement satisfaisantes", car l'effet global qu’elles génèrent est un sentiment curieusement hypnotisant qui rend le spectateur détendu et même méditatif. Bien que ses animations soient vaguement basées sur des comportements du monde réel, elles dépassent souvent les limites du possible, de la friction et de la gravité, et permettent ainsi des mouvements parfaits et infinis. 


Au cours des quinze dernières années, il a réalisé des travaux pour des marques reconnues telles que Google, Adidas, Ikea, Spotify, Omega, Swarovski, Gucci, Burberry, etc. Ses animations ont fasciné des millions de spectateurs dans le monde entier et son travail a été mis en avant sur Behance Network, Designboom, Stash Magazine, Fubiz, Vimeo Staff-Pick, 9gag, UNILAD, VT, Huffington Post, Business Insider, LAD Bible, FWA, Designcollector et Mindsparkle Mag entre autres. En ce qui concerne ses outils, il utilise principalement des logiciels tels que Cinema 4D, After Effects et Photoshop.

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Gummy Tron

L'univers d'Andreas est à la fois sophistiqué et fantaisiste, avec des formes géométriques simples et ludiques dans des compositions équilibrées, ainsi que des textures organiques et des palettes de couleurs harmonieuses. Ses animations parfaitement synchronisées ont souvent été décrites comme "étrangement satisfaisantes", car l'effet global qu’elles génèrent évoque un sentiment étrangement hypnotisant qui rend le spectateur détendu et même méditatif.
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Waves

L'univers d'Andreas est à la fois sophistiqué et fantaisiste, avec des formes géométriques simples et ludiques dans des compositions équilibrées, ainsi que des textures organiques et des palettes de couleurs harmonieuses. Ses animations parfaitement synchronisées ont souvent été décrites comme "étrangement satisfaisantes", car l'effet global qu’elles génèrent évoque un sentiment étrangement hypnotisant qui rend le spectateur détendu et même méditatif.
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Roundabout Madness

L'univers d'Andreas est à la fois sophistiqué et fantaisiste, avec des formes géométriques simples et ludiques dans des compositions équilibrées, ainsi que des textures organiques et des palettes de couleurs harmonieuses. Ses animations parfaitement synchronisées ont souvent été décrites comme "étrangement satisfaisantes", car l'effet global qu’elles génèrent évoque un sentiment étrangement hypnotisant qui rend le spectateur détendu et même méditatif.
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Divided

L'univers d'Andreas est à la fois sophistiqué et fantaisiste, avec des formes géométriques simples et ludiques dans des compositions équilibrées, ainsi que des textures organiques et des palettes de couleurs harmonieuses. Ses animations parfaitement synchronisées ont souvent été décrites comme "étrangement satisfaisantes", car l'effet global qu’elles génèrent évoque un sentiment étrangement hypnotisant qui rend le spectateur détendu et même méditatif.
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Kaoru Tanaka

Kaoru Tanaka est une artiste numérique autodidacte basée à Osaka, au Japon, où elle façonne des œuvres d'art génératif et des expériences en temps réel à la lisière du rêve et du vivant. Son travail puise sa matière première dans son quotidien, dans ses rêves et dans la nature qui en rythme le cours, mais aussi dans la pensée de John Maeda, designer et technologue qu'elle admire particulièrement pour avoir posé les lois fondamentales de la façon dont pensent les ordinateurs, et pour avoir su démontrer pourquoi s'en soucier concerne chacun d'entre nous, programmeur ou non. Armée d'outils 3D et 4D, elle expérimente, itère et donne forme à ses émotions à travers des installations visuelles, des vidéos et des œuvres interactives en temps réel. Sa pratique explore les boucles de rétroaction visuelle, fondées sur la répétition et nourries par l'interaction, pour engendrer des mondes numériques inédits. Kaoru Tanaka cherche ainsi à sonder la relation entre la nature organique de l'humain et la nature mécanique que façonne la programmation, faisant converger les opposés apparents que sont l'ordre et le chaos.

Son travail a été exposé dans des institutions et manifestations internationales telles qu'Art Basel Miami Beach, le Neues Museum de Nuremberg, TODA à Dubaï, Prada Extends Tokyo ou encore la MIT Engineering School, ainsi que lors du festival MUTEK à Tokyo. Ses œuvres ont voyagé aux États-Unis, en France, aux Émirats arabes unis, en Allemagne et en Chine. Côté collaborations, elle a notamment prêté son univers génératif à Shiseido pour le projet "Future Reflections", habillé le SUV phare QX80 d'INFINITI d'un motif inspiré des connexions synaptiques du cerveau. Son œuvre "Opaline Dream" a également été projetée sur l'écran géant de Wuhan Tiandi, en collaboration avec le groupe DIGMEGA, et sa série "Dimensionscape" a été diffusée sur la plateforme Foundation. Reconnue pour sa maîtrise technique de TouchDesigner, elle a été invitée comme intervenante lors d'ateliers spécialisés (TDSW) pour transmettre ses méthodes de travail sur les particules et l'interaction.

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Velvet Flower

Kaoru crée en s'inspirant de ses rêves et de sa vie quotidienne, mais aussi du travail de John Maeda, un designer et technologue visionnaire qu'elle admire particulièrement. 

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Metallic layers

Kaoru crée en s'inspirant notamment de ses rêves et de son quotidien, mais aussi du travail de John Maeda, designer et technologue visionnaire qu’elle admire tout particulièrement. 
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Opaline Dream

Une douce floraison de lumière, comme un parfum qui se déploie dans l'eau. Cette pièce générative évoque l'essence d'un rêve - délicat et éternellement à la dérive.

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Nogland

Nogland est le résultat d'un désir intense de se libérer des restrictions imposées par les environnements réglementés et de s'immerger totalement dans l'apprentissage et l'expérimentation autodirigés. Les œuvres de l'artiste peuvent varier du morbide cauchemardesque au fantaisiste mignon - et un style surréaliste très coloré, parfois grotesque, reflète un monde intérieur dans lequel aucune règle ne s'applique. Créé dans l'intention de se moquer de la société et des normes modernes, Nogland est sûr de provoquer une réaction durable, quelle que soit l'opinion esthétique du spectateur.

L'artiste Nogland est une personne concentrée, motivée et créative avec plus de 15 ans d'expérience en art graphique et plus de 8 ans en conception 3D et impression grand format. Nogland possède une connaissance précieuse des programmes de création numérique tels que Cinema 4D, Blender, Octane Render, Redshift et Adobe Creative Cloud, ce qui lui confère une capacité polyvalente pour tout projet.

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The Red Room

Une production mécaniste sucrée de planètes, d'étoiles et d'architecture.

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Happy Time Soul Machine

À quoi ressemblerait la fabrique d'âmes d'un Dieu simpliste uniquement capable de créer deux sexes copiés-collés ? Ceci.

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Childhood Unleashed

Un pays des merveilles mécaniste de phénomènes vibrants et ludiques qui tournent en boucle à l'infini. Le public est transporté dans l'architecture fantaisiste et illimitée de son propre enfant.

Projet art collaboratif

Data Art Journey est un projet qui incarne l’esprit de la nouvelle ère technologique. Dans le court métrage produit par Minuit, l’artiste dépeint de manière gracieuse un monde imaginaire où des “plantes” ressemblant à des molécules semblent étonnamment high-tech, et où l’on imagine aisément qu’elles peuvent également se trouver dans la goutte d’eau d’un étang ou incrustées sur une enzyme. En combinant et en utilisant de manière égale les données générées par ordinateur et celles partagées par les Sanofiens, comme un prénom ou le clic conscient de la souris sur le site web interactif, le concept final fusionne parfaitement le numérique et l’organique, et nous donne à voir un véritable écosystème de plantes numériques biomorphiques qui poussent et interagissent.
L’artiste pousse ce concept encore plus loin grâce à la co-création et à la nature collaborative de l’œuvre d’art, qui démontrent le pouvoir de la créativité lorsque des personnes se réunissent autour d’une vision commune. L’œuvre d’art devient ainsi une métaphore des miracles que l’humanité peut réaliser lorsqu’elle recherche la grandeur dans les domaines de l’art, de la technologie et de la science, tout en conservant son humanité en utilisant sa nature sociale pour collaborer et cocréer.
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Neon Minuit

Neon Minuit est un duo d'artistes qui utilise l’outil numérique. Ils capturent des morceaux du réel pour les mettre en scène dans leur terrain de jeu : le monde virtuel. Leur approche artistique est inspirée par l’expérimentation scientifique, la sérendipité. A l’aide des outils du jeux vidéo, ils explorent et expérimentent de nouvelles manières de percevoir les réalités, d’appréhender de nouveaux espaces et de fabriquer des illusions. A la manière de magiciens modernes, ils font chanter les pixels et danser les polygones.



Leur travail a pour point de départ le sujet du réel. Ils scannent des sculptures, des monuments, des personnes ou encore des paysages qu’ils rencontrent. Cette matière capturée par photogrammétrie leur permet de parcourir des espaces composés de nuage de point. Elle est la mémoire d’un passé, un souvenir spatial. Cette substance leur permet de composer des œuvres entre la réalité et le virtuel, la photo et l’écran, le film et le jeu. C’est dans ces intersections qu’ils déploient une esthétique particulière composée de milliers de points en suspension.