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Sanofi

En partenariat avec Artpoint, Sanofi vous offre l’expérience de l’art numérique. Découvrez chaque mois une nouvelle collection artistique et retrouvez ici les détails de l’exposition actuelle !

Science and Innovation

At a time when science and innovation are reshaping the ways we understand and inhabit the world, this month’s exhibition “Science and Innovation” offers a sensitive perspective on technology as a force of transformation and observation. Far from a purely functional vision, the artists brought together here explore the poetic potential of scientific, algorithmic, and computational systems, revealing their ability to generate new narratives at the intersection of nature, data, and imagination. “Science and Innovation” thus outlines a territory where research becomes artistic material.

Milkorva develops a generative practice in which the computer becomes a full creative partner. Through autonomous systems of particles and algorithms, he composes shifting landscapes that oscillate between abstraction and recognisable elements of nature. His ever-evolving works convey both the beauty of natural phenomena and an awareness of their fragility, giving rise to reflections on resources and climate-related transformations in the digital age.

Coming from a scientific background, Elsa Carvalho weaves a close dialogue between code, artificial intelligence, and organic forms. Her works originate in algorithmic processes that she then allows to transform, unfold, and animate like living systems. By exploring states of transition, she creates a fluid and unstable aesthetic, turning
algorithms into a tool for sensitive observation.

Meanwhile, the duo Superficial Studio, imagines speculative futures through floral ecosystems generated by procedural systems. These digital bouquets, both hypothetical and soothing, invite us to reconsider our relationship with the living world and to envision innovation not as a rupture, but as an extension of natural logics.

Together, these proposals shape an exhibition in which science becomes a visual language, innovation a space for contemplation, and technology a means of rethinking our shared future.

Elsa Carvalho

Elsa Carvalho (née en 1973) est une développeuse informatique et artiste portugaise qui a commencé son parcours dans les arts visuels en avril 2021. Titulaire d'un doctorat en informatique, elle apporte une solide base technique à sa pratique créative, alliant son expertise en programmation à l'exploration artistique.

Son travail mêle codage créatif et intelligence artificielle, en se concentrant sur l'interaction entre la nature et les formes organiques. Elle utilise des visuels générés par code comme base pour des transformations pilotées par l'IA, générant des formes qui évoluent et réagissent comme des systèmes naturels imaginaires. Elle s'est récemment lancée dans la vidéo immersive, étendant ces approches pour créer des mondes animés, picturaux et fluides.

Butterflying #4 - Horizontal

Butterflying explore la transformation comme un état continu plutôt que comme un événement. Des motifs émergent puis s’effacent, guidés par de subtiles forces internes, où la structure demeure présente sans jamais se figer.

La couleur dérive entre translucidité et profondeur, comme si les couches se repliaient les unes dans les autres. Rien ne se stabilise, rien ne se répète : seule persiste la transformation elle-même, silencieuse, fluide et inévitable.

The Unfolding #6 - Horizontal

Chaque œuvre de The Unfolding commence par des images générées sur Midjourney, où un code JavaScript personnalisé instaure un équilibre entre hasard et intention. Ces visuels initiaux sont ensuite affinés grâce à des prompts IA, puis animés à l’aide de la Luma Dream Machine, apportant des mouvements fluides et des transitions harmonieuses. Ce qui en résulte est un déploiement continu de lignes et de formes, façonné par un dialogue entre le hasard algorithmique et l’intention artistique.

The Unfolding #7 - Horizontal

Milkorva

Nicolas MICHEL (aka Milkorva), est un artiste visuel et performeur vivant à Paris. Titulaire d’un master en Art Contemporain (Sorbonne, Paris), il se spécialise depuis quelques années dans la création de visuels génératifs. Collaborant depuis des années avec son ami de longue date Valentin Fayaud, ils fondent ensemble TS/CN en 2020, un studio de création numérique focalisé dans la conception d’installations et de performances audiovisuelles (A/V).

Toujours à la recherche d’une synesthésie informatisée , Milkorva questionne l’autonomie d’une oeuvre numérique en redéfinissant la place de l’ordinateur au cœur du système de production. Le dialogue informatique devient génératif et transcende l’embryon initial. Le travail de l’artiste ne se limite ni dans le temps, ni dans l’espace d’exposition. Son évolution constante offre à celui qui l’observe la possibilité de partager une expérience singulière, individuelle et renouvelable.

Tidal Echoes

"Tidal Echoes" de Milkorva est une installation générative. À l'aide d'algorithmes complexes, la toile numérique reproduit les mouvements dynamiques des vagues de l'océan, transformant les textures organiques au fil du temps et capturant l'essence du bord de mer. L'installation brouille la frontière entre l'abstrait et le figuratif, évoquant l'océan dans l'imaginaire collectif par des mouvements dynamiques, des couleurs vibrantes et des sons concrets. Tidal Echoes invite le spectateur à reconsidérer sa perception du monde.

Wuthering Summits - Horizontal

Wuthering Summits, œuvre d’art générative, se présente comme une ode à la montagne, célébrant sa beauté féroce et la richesse des paysages qu’elle incarne. À partir de centaines de photographies de paysages alpins enneigés, une IA crée des horizons imaginaires. Ces visuels prennent vie grâce à un système de particules autonomes, se déplaçant de manière imprévisible. Au fil du temps, les sommets, témoins silencieux de l’urgence du changement climatique, oscillent entre effondrement et renouvellement perpétuel.

SEA OF GOLD 2

SEA OF GOLD est une installation générative. L'œuvre explore la beauté et l'essence fluide de l'eau à travers une représentation artistique composée d'un million de particules. Au-delà de sa dimension esthétique, cette œuvre met en lumière la signification de l'eau en tant que ressource vitale et précieuse, ainsi que son épuisement imminent. Représentée ici sous forme d'or, l'eau symbolise sa valeur inestimable et sa raréfaction. L'œuvre incite le spectateur à contempler la fragilité de cette ressource vitale.

Superficial Studio

Superficial est le studio de création des artistes numériques Belinda Chen et Andrew Kupresanin. Leur travail unifie l'imagerie générée par ordinateur et le code et les systèmes génératifs pour créer des expériences visuelles avancées et des campagnes de marque innovantes. Leur pratique s’intéresse particulièrement aux relations entre nature, évolution et technologies numériques à l'époque de grands bouleversements écologiques contemporains, leurs permettant d'interroger la capacité du vivant, réel ou simulé, à évoluer. Les artistes créent des formes de vie hypothétiques, des écosystèmes en mutation et des futurs possibles qui évoquent des phénomènes biologiques, botaniques ou environnementaux façonnés par les outils numérique. Toujours curieux de l'avenir et à la recherche d'idées originales, le duo cherche à repousser les limites de l'expérience numérique dans des projets basés sur les clients ainsi que dans leurs fréquentes initiatives personnelles.

Anciens élèves de NEW INC, l'incubateur d'art et de technologie du New Museum à New York, ils ont travaillé avec des marques telles que 3.1 Phillip Lim, Adidas, Cash App, Dior et Nike, ainsi qu'avec des institutions culturelles telles que M+ Museum, Odunpazarı Modern Museum et The Museum at FIT.

Tomorrow Blooms: Helix - Horizontal

Tomorrow Blooms est une série d'œuvres d'art qui explorent un avenir botanique spéculatif en pleine évolution. Dans le contexte d'une évolution rapide des conditions environnementales, les œuvres d'art offrent des moments de sérénité propices à la contemplation de l'état évolutif du monde naturel.

Chaque fleur de la série est unique et créée à l'aide de techniques de conception procédurale. Les pièces finales sont créées à l'aide de systèmes génératifs qui permettent d'adapter les films à une variété de dimensions et de durées d'écran.

TOMORROW BLOOMS: HELIX

Helix imagine une flore avancée dotée d'une capacité d'adaptation génétique rapide. Capable d'engendrer spontanément de nouvelles branches évolutives, cette anomalie écologique embrasse le changement en s'adaptant aux différentes générations florales.

Tomorrow Blooms: Abundance - Horizontal

DEMAIN FLEURIT : ABONDANCE

Abundance présente un phénomène botanique hypothétique où un réseau intelligent d'espèces florales s'harmonise en une merveilleuse floraison. Ce spectacle synchronisé et hyper-naturel est une célébration optimiste de la résilience et de la beauté de la diversité et de sa capacité à favoriser les progrès de l'évolution.

Projet art collaboratif

Data Art Journey est un projet qui incarne l’esprit de la nouvelle ère technologique. Dans le court métrage produit par Minuit, l’artiste dépeint de manière gracieuse un monde imaginaire où des “plantes” ressemblant à des molécules semblent étonnamment high-tech, et où l’on imagine aisément qu’elles peuvent également se trouver dans la goutte d’eau d’un étang ou incrustées sur une enzyme. En combinant et en utilisant de manière égale les données générées par ordinateur et celles partagées par les Sanofiens, comme un prénom ou le clic conscient de la souris sur le site web interactif, le concept final fusionne parfaitement le numérique et l’organique, et nous donne à voir un véritable écosystème de plantes numériques biomorphiques qui poussent et interagissent.

L’artiste pousse ce concept encore plus loin grâce à la co-création et à la nature collaborative de l’œuvre d’art, qui démontrent le pouvoir de la créativité lorsque des personnes se réunissent autour d’une vision commune. L’œuvre d’art devient ainsi une métaphore des miracles que l’humanité peut réaliser lorsqu’elle recherche la grandeur dans les domaines de l’art, de la technologie et de la science, tout en conservant son humanité en utilisant sa nature sociale pour collaborer et cocréer.

Neon Minuit

Neon Minuit est un duo d'artistes qui utilise l’outil numérique. Ils capturent des morceaux du réel pour les mettre en scène dans leur terrain de jeu : le monde virtuel. Leur approche artistique est inspirée par l’expérimentation scientifique, la sérendipité. A l’aide des outils du jeux vidéo, ils explorent et expérimentent de nouvelles manières de percevoir les réalités, d’appréhender de nouveaux espaces et de fabriquer des illusions. A la manière de magiciens modernes, ils font chanter les pixels et danser les polygones.

Leur travail a pour point de départ le sujet du réel. Ils scannent des sculptures, des monuments, des personnes ou encore des paysages qu’ils rencontrent. Cette matière capturée par photogrammétrie leur permet de parcourir des espaces composés de nuage de point. Elle est la mémoire d’un passé, un souvenir spatial. Cette substance leur permet de composer des œuvres entre la réalité et le virtuel, la photo et l’écran, le film et le jeu. C’est dans ces intersections qu’ils déploient une esthétique particulière composée de milliers de points en suspension.