Christian Brinkmann est un artiste audiovisuel basé à Hambourg dont le travail se situe dans le champ de tension entre la nature, la technologie et l'esthétique générative. Après une formation en ingénierie audio, sa carrière artistique a commencé par la production de musique électronique, en particulier dans le domaine de la techno atmosphérique et des compositions ambiantes. Son implication dans le logiciel TouchDesigner, qui lui a ouvert de nouvelles possibilités de tisser du son, des processus visuels en temps réel et des éléments interactifs dans une expérience audiovisuelle globale, a été une impulsion majeure pour le développement ultérieur de sa pratique. Brinkmann a ensuite étendu ses recherches aux systèmes biologiques - en particulier les plantes - dont il traduit les signaux électriques en compositions audiovisuelles génératives à l'aide de technologies sensorielles.

Son travail se caractérise par l'intégration de processus organiques aux médias numériques. À l'aide de programmes tels que TouchDesigner, Ableton Live et Unreal Engine, Brinkmann génère des espaces son-image vivants et en constante évolution, souvent influencés par l'interaction du public. L'une des principales préoccupations de son travail est de rendre tangible l'invisible, c'est-à-dire les liens subtils et souvent négligés entre l'homme et la nature. Brinkmann a attiré l'attention internationale en particulier avec son œuvre « Floral Resonance », qui a été exposée dans le monde entier, notamment à la salle philharmonique de Bratislava, au théâtre national slovaque et dans des émissions de télévision nationales.

Né à Mexico en 1990, Ilan Derech est un artiste pluridisciplinaire dont le langage visuel s’est forgé entre animation, code génératif, photographie et cinéma. Ses premières explorations numériques lui ont appris la rigueur et l’abstraction, tandis que la photographie et la vidéo lui ont révélé la poésie du réel. Son approche du film s’apparente à celle d’un haïku : il capture des scènes simples et silencieuses, où la lumière, le temps et le geste deviennent matière de contemplation. Inspiré par les esthétiques japonaises du wa (harmonie), du ma (l’espace entre les choses) et du wabi-sabi (la beauté de l’imperfection), Ilan conçoit des œuvres où la présence et l’absence dialoguent dans une lenteur méditative. Influencé par le wabi-sabi, l’ukiyo-e et la douceur de l’impermanence, il puise son inspiration dans les détails du quotidien — pétales de sakura, pluie sur une vitre, ombre fugitive. Marqué par la perte de son père et un long séjour au Japon durant la pandémie, il développe une pratique où chaque image devient un refuge, un souffle, un espace de silence et de mémoire.

Le travail d’Ilan Derech a été présenté sur des plateformes majeures telles que SuperRare, Foundation ou OpenSea, et salué pour sa sensibilité cinématographique. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions et de ventes aux enchères internationales, affirmant sa place sur la scène de l’art numérique contemporain. Il a collaboré avec ZEISS sur le projet Capturing Mobility, une exploration poétique du mouvement nocturne à Londres, et a été mis à l’honneur dans plusieurs publications — dont SuperRare Visual Haikus, OpenSea In Conversation, et Air Canada EnRoute — qui soulignent la cohérence et la profondeur de sa démarche.
À travers ces collaborations, Ilan poursuit une œuvre contemplative qui invite à ralentir, à respirer, et à redécouvrir la beauté fragile du présent.

Martin Naumann est un artiste visuel et un concepteur multidisciplinaire basé à Leipzig, en Allemagne, spécialisé dans l'illustration automatisée et l'art génératif abstrait. Il associe ces techniques à sa formation en stratégie de marque, en typographie et en motion design. Le travail de Martin est souvent considéré comme futuriste, combinant des techniques expérimentales et abstraites avec des motifs visuels forts inspirés par la nature et la science.

Dans le cadre de son travail en freelance, Martin a collaboré avec diverses grandes marques et entreprises telles que Adobe, Anjunabeats, Apple Music, Audi, Backforce, Billboard Magazine, Canadian Premier League, Coinbase, DIE ZEIT, GitHub, HSBC, Insomniac Events, Lando Norris (F1), Penguin Random House, Revealed Recordings, Spinnin' Records, StarWars™ / Lucasfilm, Supercell, Universal Music, Vitra, Wealthsimple, Xiaomi et Zalando.

Nicolas MICHEL (aka Milkorva), est un artiste visuel et performeur vivant à Paris. Titulaire d’un master en Art Contemporain (Sorbonne, Paris), il se spécialise depuis quelques années dans la création de visuels génératifs. Collaborant depuis des années avec son ami de longue date Valentin Fayaud, ils fondent ensemble TS/CN en 2020, un studio de création numérique focalisé dans la conception d’installations et de performances audiovisuelles (A/V).

Toujours à la recherche d’une synesthésie informatisée , Milkorva questionne l’autonomie d’une oeuvre numérique en redéfinissant la place de l’ordinateur au cœur du système de production. Le dialogue informatique devient génératif et transcende l’embryon initial. Le travail de l’artiste ne se limite ni dans le temps, ni dans l’espace d’exposition. Son évolution constante offre à celui qui l’observe la possibilité de partager une expérience singulière, individuelle et renouvelable.

Natalia Stuyk est une artiste vidéo basée à Grenade, en Espagne, dont la pratique mêle art, technologie et expérience sensorielle. Travaillant à la croisée de l’animation 2D et 3D, des techniques en temps réel et de l’intelligence artificielle, elle transforme sons, données et concepts abstraits en compositions fluides et oniriques. Ses œuvres prennent souvent la forme d’installations vidéo immersives : de vives explorations du rythme, du mouvement et de la lumière qui brouillent la frontière entre l’organique et le numérique. Inspiré par les paysages du sud de l’Espagne, le langage visuel de Natalia célèbre la beauté pour la beauté. À travers des couleurs saturées, des boucles infinies et des mouvements hypnotiques, elle crée des espaces de contemplation esthétique qui évoquent à la fois la sérénité et l’émerveillement. Son exploration des comportements émergents et de l’évasion reflète une fascination pour la manière dont la technologie peut devenir un outil de transcendance, invitant le spectateur à se perdre dans l’introspection et la réflexion.

Natalia a également travaillé de manière approfondie dans les scènes musicales et de la mode à Londres, créant des visuels pour des performances live, des clips musicaux et des contenus de marque. Elle a collaboré avec des artistes et marques de renommée mondiale, dont Nike, MAC Cosmetics, Stella McCartney, l’UEFA et Arsenal FC, et a présenté ses œuvres à l’international dans des expositions, festivals et performances audiovisuelles live. Aujourd’hui, Natalia continue d’élargir sa pratique vers des installations interactives et multisensorielles, explorant comment les nouvelles technologies peuvent réinventer l’art numérique en une expérience à la fois incarnée et émotionnelle.

VIXXUALS (Francisco Diaz Bobillo) est un architecte et artiste visuel argentin basé en Espagne. Sa pratique découle de plusieurs années d’exploration passionnée des visuels analogiques, centrée sur l’interaction de la matière, de la chimie et de la lumière en mouvement constant. Au cœur de son travail se trouve le Liquid Light, une discipline hypnotique née du mouvement psychédélique des années 1960, dans laquelle liquides et substances chimiques se rencontrent, fusionnent, se repoussent et dansent, créant une expérience sensorielle immersive. VIXXUALS redonne vie à cette forme artistique oubliée à travers la dynamique des fluides, embrassant l’impermanence et la beauté des réactions spontanées. Ses compositions visuelles semblent vivantes, imprévisibles et impossibles à reproduire.

S’appuyant sur sa formation en architecture, il conçoit des performances immersives et des installations utilisant des rétroprojecteurs, des tunnels et des effets aquatiques en mouvement. L’un de ses projets les plus marquants a été présenté au château de Montjuïc, où lumière et liquide se sont combinés pour créer une traversée sensorielle souterraine. Son œuvre invite le spectateur à une pleine présence, à accueillir la fugacité de l’instant, et à réfléchir à la manière dont de petits changements peuvent tout transformer — une évocation poétique de la vie comme un chemin façonné par la chimie et l’adaptation.