BANQUE PALATINE

En partenariat avec ARTPOINT, la Banque Palatine vous offre l’expérience de l’art numérique. Découvrez chaque mois une nouvelle collection artistique et retrouvez ici les détails de l’exposition actuelle !

CARLO VEGA

Carlo Vega est un motion designer et un artiste hautement qualifié qui a fait ses preuves en matière de conception innovante et visuellement attrayante pour de grandes entreprises technologiques. Fort d’une solide expérience en animation 2D et 3D, Carlo a été en mesure de produire des graphiques et des animations époustouflants qui ont contribué à donner vie à la technologie. Il a une passion pour la créativité et un talent pour comprendre des concepts techniques complexes. Sa participation à Art Basel Miami et au Salone Di Mobile témoigne de sa polyvalence en tant que designer et artiste et de sa capacité à produire des œuvres qui sont à la fois impressionnantes sur le plan technique et porteuses d’émotions.

Né à Lima, au Pérou, Carlo a grandi à une époque marquée par le terrorisme et les troubles politiques. C’est à cette époque qu’ont été jetées les bases cognitives de ce qui allait devenir ses explorations artistiques. Son grand-père mathématicien lui a appris la géométrie et la perfection de la logique, tandis que son entourage catholique lui a transmis une iconographie puissante et un sens du mystère spirituel. En abordant son art comme une collection étudiée de pensées et d’expériences, Carlo assemble ses différentes réalités. À travers son travail, l’artiste s’engage sur un chemin d’exploration de soi qui le reconnecte à des moments, des personnes et des lieux perdus. Dans ce processus de réflexion, le travail de Carlo oscille entre ce qui a été et ce qui sera. En combinant des formes simples, souvent géométriques, avec des arrière-plans nébuleux et en explorant des concepts abstraits à travers différents médiums, il explore une tension entre le logique et l’inexplicable.

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MEMENTO 07

Un symbole pour nous rappeler ce moment.

MEMENTO 08

Un symbole pour nous rappeler ce moment.

MEMENTO 11

“Je n’ai pas échoué, j’ai juste trouvé 10.000 façons qui ne marcheront pas.”

Thomas Alva Edison.

SVCCY

Svccy est un artiste numérique 2D et 3D dont la passion pour les arts visuels a débuté en 2016, lorsqu’il a commencé à créer des images sur Photoshop. Sa pratique s’inspire aujourd’hui principalement du mouvement Vaporwave, né et développé en ligne vers 2011/2012, qui se caractérise par l’utilisation de thèmes nostalgiques tels que les systèmes d’exploitation informatiques et les consoles de jeux vidéo des années 80 et 90, les bustes romains, les centres commerciaux abandonnés et les éléments de la culture japonaise, le tout assaisonné par l’utilisation de teintes violettes et roses. La réinterprétation particulière de Svccy de ce style tend vers une variante plus obscure et introspective. Son travail reflète la condition humaine dans la société actuelle, souvent représentée par des statues sans visage ou recouvertes, qui symbolisent le manque d’identité de l’individu, subjugué par la technologie et par une société ultra-consumériste.

Svccy a reçu de nombreux prix pour son travail, notamment le Work Culture Observatory Award au Connexion Festival de Rome, le gagnant de l’exposition solo Talent Varese, un finaliste du XIVe prix “Sergio Fedriani”, un finaliste du Varese Design Week Talent Award, un finaliste de la première édition du concours artistique organisé par BVLGARI Accessories et COMONExT, et bien d’autres. L’artiste est représenté par la galerie Zanini Arte, avec laquelle il a exposé dans de nombreuses foires d’art. En 2023, Svccy a été exposé à W1 Curates à Oxford Street, Londres, dans son exposition “DYSTOPIAN CONSTRUCTIONS”, qui explorait la diversité du spectre de la société contemporaine.

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CLIFF HOUSE

La série Statue Houses fait entrer l’imagination dans de nouveaux espaces de vie humaine. Des designs glorieux du passé et des visions futuristes se rejoignent pour créer des architectures sinueuses où l’environnement onirique met en valeur les structures.

THE CYCLE

Bien que l’homme s’approprie sans discernement le paysage naturel de manière violente, devenant l’esclave de lui-même et de sa volonté de domination, le cycle de vie de la nature est imparable et, malgré le fait qu’elle semble succomber aux cicatrices faites par l’homme, elle renaît à une nouvelle vie.

À propos de la série Living Structure

La série analyse la relation difficile entre l’homme et la nature, entre l’urbanisation débridée et la durabilité. Jusqu’où l’homme ira-t-il dans l’exploitation du sol ? Saura-t-il trouver une solution et sortir de ce cercle vicieux qui le conduit à l’autodestruction ? Ou bien disparaîtra-t-il pour laisser place à d’imposants squelettes gris abandonnés, témoins d’une civilisation tournée vers la consommation des ressources et qui n’a pas su préserver son patrimoine environnemental ?

The Ascension

L’homme, dans son processus d’évolution, s’est éloigné de la nature, l’adaptant de plus en plus à ses besoins et pratiquant un processus de destruction et de pollution des sols. La route tracée jusqu’à présent risque de pointer vers un désastre écologique, avec le risque de se retrouver avec de pâles squelettes de béton vides, symbole d’une race égoïste qui n’a pas été capable de soutenir et de protéger le paysage dans lequel elle vivait.

STUART WARD

Stuart Ward est un artiste canadien contemporain. Sa formation artistique s’est concentrée sur la peinture à l’huile et la théorie de l’art ; après ses études, il s’est orienté vers le travail numérique alors qu’il se trouvait à Tokyo, à l’apogée de la scène VJ, au milieu des années 2000. Passant du numérique au physique-numérique à la fin des années 2000, il s’est plongé dans l’expérience artistique immersive et a commencé à explorer le pouvoir des installations artistiques interactives. Son travail emprunte désormais aux leçons du design d’expérience pour éclairer la manière dont les œuvres d’art peuvent être exprimées dans un environnement sans limites physiques.

De ses premières œuvres de VJ à ses créations les plus récentes, le thème central du travail de Ward est la possibilité d’offrir une expérience transformationnelle qui n’est encombrée d’aucune limite matérielle ; un moment d’exaltation et d’émerveillement qui ne peut émerger que de l’expérience esthétique, quel que soit l’endroit où elle se déroule ou la forme qu’elle prend.

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VENUS

Dans la mythologie romaine, Vénus était la déesse de l’amour, de la beauté et de la fertilité. Sa naissance est souvent représentée dans l’art, notamment dans le célèbre tableau de Sandro Botticelli intitulé “La naissance de Vénus”. Dans ce tableau, Vénus est représentée émergeant d’un coquillage, entièrement formée et rayonnante. Cette image capture l’essence de Vénus, qui est souvent associée à la beauté et à l’émerveillement du monde naturel. En tant que déesse de l’amour et de la fertilité, Vénus incarne le pouvoir créatif et vivifiant de l’univers. Son image nous incite à célébrer la beauté et l’émerveillement du monde qui nous entoure et à reconnaître le caractère sacré de toute vie. Son histoire nous rappelle l’importance de l’amour et de la connexion, ainsi que le rôle que jouent la beauté et l’art dans l’éveil de notre esprit et l’élévation de notre conscience. L’œuvre d’art capture l’essence de son pouvoir et de sa beauté, nous invitant à puiser dans l’énergie créatrice et vivifiante qu’elle incarne.

Transformation at the Gates of Eternity

Dans la mythologie grecque, Perséphone était la fille de Zeus et de Déméter, et était connue comme la déesse du printemps et de la fertilité. Cependant, sa vie a pris un tournant dramatique lorsqu’elle a été enlevée par Hadès, le dieu des enfers. Dans les enfers, Perséphone a été transformée, à la fois physiquement et spirituellement. On lui donne le fruit des enfers à manger, ce qui la lie au royaume des morts. Grâce à sa transformation, Perséphone est devenue la déesse du monde souterrain, régnant sur les morts et les esprits qui habitent ce royaume. L’œuvre d’art capture l’essence de son moment de transformation, la dépeignant comme une figure puissante qui incarne à la fois la vie et la mort. Son histoire nous rappelle le pouvoir de la transformation et le potentiel de croissance qui peut découler des expériences les plus difficiles. Le voyage de Perséphone nous invite à embrasser les cycles de la vie et de la mort et à reconnaître le pouvoir de transformation du monde souterrain comme un chemin vers l’évolution spirituelle.

Ecstatic Dance 2

Dans cette œuvre, une danseuse extatique solitaire se tient au milieu d’un environnement néobaroque déconstruit. Son corps est figé dans le mouvement, capturé en plein tourbillon, tandis que le monde qui l’entoure tourbillonne dans un mouvement chaotique. L’immobilité de la danseuse contrastant avec le mouvement de son environnement crée une juxtaposition d’attentes. L’œuvre invite le spectateur à s’interroger sur le rôle du mouvement et de la danse dans un monde au rythme effréné et souvent accablant.

Nymph

Dans la mythologie grecque, les nymphes étaient souvent associées à des éléments naturels tels que les rivières, les arbres et les montagnes, et l’on pensait qu’elles avaient un lien étroit avec le monde des esprits. Elles étaient considérées comme les gardiennes du monde naturel et possédaient des pouvoirs spéciaux qui leur permettaient de communiquer avec les esprits et d’autres êtres surnaturels. En tant qu’êtres du monde naturel, les nymphes incarnaient la nature cyclique de la vie et l’interconnexion de toutes les choses. L’œuvre d’art capture l’essence de cette énergie mystique, invitant les spectateurs à puiser dans la dimension spirituelle du monde naturel. Le lien de la nymphe avec le monde des esprits nous rappelle la magie et le mystère qui résident dans la nature et nous encourage à explorer notre propre lien avec le monde naturel et les énergies spirituelles qui nous entourent.

NOGLAND

Nogland est le résultat d’un désir intense de se libérer des restrictions imposées par les environnements réglementés et de s’immerger totalement dans l’apprentissage et l’expérimentation autodirigés. Les œuvres de l’artiste peuvent varier du morbide cauchemardesque au fantaisiste mignon – et un style surréaliste très coloré, parfois grotesque, reflète un monde intérieur dans lequel aucune règle ne s’applique. Créé dans l’intention de se moquer de la société et des normes modernes, Nogland est sûr de provoquer une réaction durable, quelle que soit l’opinion esthétique du spectateur.

L’artiste Nogland est une personne concentrée, motivée et créative avec plus de 15 ans d’expérience en art graphique et plus de 8 ans en conception 3D et impression grand format. Nogland possède une connaissance précieuse des programmes de création numérique tels que Cinema 4D, Blender, Octane Render, Redshift et Adobe Creative Cloud, ce qui lui confère une capacité polyvalente pour tout projet.

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Childhood Unleashed

Un pays des merveilles mécaniste de phénomènes vibrants et ludiques qui tournent en boucle à l’infini. Le public est transporté dans l’architecture fantaisiste et illimitée de son propre enfant.

THE RED ROOM

Une production mécaniste sucrée de planètes, d’étoiles et d’architecture.

PLAYHOUSE

BENJAMIN BARDOU

Benjamin Bardou est un cinéaste, directeur artistique et réalisateur basé à Paris. Sa formation d’artiste se déroule à l’école Georges Méliès d’Orly, un institut spécialisé dans les cours principalement consacrés à l’animation et aux effets visuels. L’une de ses principales sources d’inspiration est le travail du philosophe allemand Walter Benjamin, auquel il a notamment emprunté le concept de matérialisme historique, en le réadaptant visuellement dans le cadre de ses œuvres. Son objectif est de travailler avec des matériaux historiques, mais aussi avec de simples éléments prosaïques urbains pour pénétrer et toucher l’inconscient collectif.

Après avoir étudié la peinture, il a rejoint l’industrie des effets spéciaux où il s’est spécialisé dans l’art du matte painting sur des longs métrages, des publicités et des clips musicaux. Au sein des bureaux de Mikros Image, une société de post-production numérique et d’effets visuels, il travaille ainsi aujourd’hui à la réalisation de longs métrages, de publicités et de clips musicaux. Son travail a déjà été exposé aux quatre coins du monde, du Brésil (FILE Machinima) à la Corée du Sud (K Museum of Contemporary Art), en passant entre autres par la France (Collectif Jeune Cinéma et Motion Motion) et le Portugal (Centro das Artes).

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Imaginary Landscape No. 1

Un paysage généré par l’IA et rendu par des nuages de points volumétriques.

Imaginary Landscape No. 2

Imaginary Landscape No. 3

Imaginary Landscape No. 4

NICOLE WU

Basée à Melbourne, Nicole est une artiste 3D, une créatrice numérique et une animatrice connue pour ses animations 3D ludiques et ses paysages surréalistes. Fantaisiste et d’un autre monde, le travail de Nicole est rempli de détails incroyables et couvre un large éventail de styles.

Elle se considère comme une artiste 3D qui a été mise sur cette planète pour apporter une solution à un problème et pour inspirer toute personne désireuse d’apprendre la 3D. En 2021, le magazine She’s Mercedes lui a consacré un article de 12 pages composé de 5 images 3D surréalistes représentant la nouvelle voiture électrique de la marque.

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VELVET CONVERSATION

Intérieur de rêve au bord de l’eau.

BLUSH READING ROOM

Destination de lecture monochrome rose pour détendre l’esprit.

PINK PARADISE

Un joyau caché quelque part dans le monde.

SCENIC DIARY

Un lieu pour guérir les blocages créatifs, se détendre et réimaginer.

Banque Palatine x artpoint

BANQUE PALATINE s’associe à Artpoint, start-up spécialisée dans l’art digital depuis 2019, pour soutenir la création d’art numérique et proposer des expériences artistiques surprenantes et innovantes à ses collaborateurs. Chaque mois, vous pourrez découvrir une sélection inédite d’artistes numériques venant du monde entier qui explorent une multitude de techniques allant de l’art génératif à la 3D en passant par la photogrammétrie ou encore le collage. Laissez-vous surprendre par ces artistes 3.0 qui nous transportent dans des espaces immersifs à la frontière du réel et du virtuel. Puisque les effets positifs de l’art sur le bien-être ne sont plus à prouver, nous espérons que ces parenthèses artistiques contribueront à enrichir votre quotidien et à ouvrir des opportunités d’échange.

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