HERMINE BOURDIN

Sculptrice basée à Paris, Hermine créé son univers en s’inspirant des lignes féminines du corps féminin. Passionnée par la sculpture depuis son plus jeune âge, Hermine cherche à représenter des femmes généreuses, fières et sensuelles, toutes imprégnées d’un caractère fort et protecteur. Une fois imaginée, la forme est dessinée avant d’entamer un long dialogue avec la matière, faisant et défaisant le travail jusqu’à ce que chaque pièce prenne vie dans un équilibre parfait de courbes et de mouvements. Elle entame ensuite le processus de finition, donnant à chaque pièce cette texture sensuelle unique. Son travail est une ode à chaque femme. Hermine considère chaque femme comme une potentielle sculptrice de vie, c’est pourquoi elle place souvent un cercle à l’intérieur de ses œuvres, pour représenter un utérus ou la Terre, homonyme de son matériau de prédilection, cette même Terre qui nous nourrit, Gaïa.

Hermine donne également une seconde vie à ses sculptures au niveau numérique, elle utilise l’art numérique comme matériau d’exploration et de création. En tant que sculptrice traditionnelle, elle trouve très libérateur de défier les lois de l’univers physique à travers des œuvres numériques où la gravité terrestre n’est pas une contrainte ; ce qui lui permet de jouer entre statique et cinétique, matériel et immatériel.

LADY BLUE

“Dans mon travail, j’essaie de représenter des femmes pleines, fières et sensuelles, toutes imprégnées d’un ton fort et protecteur. Il s’agit d’un scan 3D animé de ma sculpture physique. Je l’ai faite bleue en référence aux Elohim mentionnés dans le Mahâbhârata, ” ceux qui viennent du ciel “, arrivés sur Terre il y a des milliers d’années pour créer l’humanité.” –  Hermine Bourdin

What if Magritte played Tetris

“Grande amatrice du mouvement artistique surréaliste, je me suis toujours demandé ce que Magritte ou Dali feraient s’ils jouaient à des jeux vidéo ou s’ils connaissaient Blender et Photoshop ? Que se passerait-il s’ils étaient en vie aujourd’hui ? Je suis sûr qu’ils s’amuseraient beaucoup. C’est dans cet état d’esprit que je me suis efforcé de voir à travers les yeux de René Magritte. Cette pièce rend hommage au maître en réinterprétant son tableau ” Les Marches de l’été ” 1938-1939. Je suis sûr que Magritte se serait ennuyé à jouer à Tetris de la manière habituelle, mais qu’il aurait trouvé beaucoup de plaisir dans un jeu qui défie les lois de la gravité. La sculpture ici est un scan 3D d’une de mes pièces physiques créées en grès, qui a été tranchée puis animée de manière surréaliste et rebondissante.”

Louise Genesis Dance I

Passionnée par la danse, j’ai demandé à Eugénie Drion, danseuse à l’Opéra français, de réaliser une performance en utilisant la technologie du motion tracking, une combinaison Vicon. Nous avons ensuite scanné en 3D ma sculpture physique en grès Louise, l’avons remodelée en 3D et l’avons gréée. Nous avons ensuite transcrit la performance d’Eugénie Drion sur la pièce, donnant vie à la sculpture d’une manière unique. Ce projet artistique est le mariage de la sculpture, de la danse, de la musique IA et des nouvelles technologies.

NATE MOHLER

Nate Mohler est un artiste des nouveaux médias basé aux États-Unis. Ses savoir-faire vont de la peinture digitale aux installations génératives et au mapping en passant par la sculpture et la vidéo. Ses créations gravitent autour du médium technologique qu’il utilise pour construire des expériences conceptuelles et avant-gardistes. Nate est diplômé de l’UCLA en 2019 avec un Bachelor d’art en Design et nouveaux médias.

Dans ses créations, Nate brouille les frontières entre le réel et le virtuel pour inciter l’action et susciter le questionnement du spectateur. Il a été commissionné par la ville de Culver City pour créer une fontaine de lumière intéragissant avec le flux de l’activité numérique de la ville. Nate a également collaboré avec d’autres artistes pour créer des sculptures animées, des mapping vidéos, en se basant toujours sur les phénomènes sociologiques et les enjeux actuels de notre société. Mohler considère chaque projet comme une occasion de susciter des émotions, de remettre en question la pensée ou de soutenir le changement social.  

PARIS

“Painted Cities” explore le subconscient et l’imagination de l’intelligence artificielle pour créer la mémoire et l’état de rêve d’une ville par la fusion du mouvement et de l’encre. Les peintures numériques sont créées en utilisant de multiples formes d’IA, en particulier le transfert de style neuronal, pour fusionner les vidéos de Mohler avec l’encre, la texture et les photographies. La série est née du désir d’immortaliser des souvenirs, notamment de villes que Mohler a visité. 

“Les lieux de la série “Painted Cities” sont tous des endroits où j’ai passé du temps pendant mes études d’art médiatique en 2018. Les vues de chaque ville refont souvent surface dans les rêves et les désirs lorsqu’on essaie d’échapper au schéma banal de la vie quotidienne ici à Los Angeles. Les villes dans mon travail sont des lieux réels, mais aussi une représentation figurative d’eux pendant quelque chose comme un état de rêve, un moment imaginatif. Une ode à la présence qu’une ville a sur une personne. Un hommage à l’architecture, aux gens et à la culture.” 

Toutes les œuvres sont lentes et très détaillées, destinées à être vues passivement et à compléter l’espace plutôt qu’à attirer l’attention.

LOS ANGELES

VENICE

LONDON BRIDGE

HANNES HUMMEL

Hannes Hummel est un designer interdisciplinaire et un artiste digital basé à Cologne, en Allemagne, spécialisé dans l’animation 3D. Ses nombreux projets traitent de l’intersection entre les nouvelles technologies et les métiers traditionnels du design. Guidé par une approche exploratoire du design, Hannes est constamment à la recherche de nouvelles formes d’expression créative. Par le biais de travaux interdisciplinaires entrepris de sa propre initiative, il développe et redéfinis constamment son style visuel. Ses œuvres expriment une recherche raffinée d’une esthétique moderne appliquée à des scénarios de natures mortes, dont la technique méticuleuse laisse penser que l’œuvre est une véritable captation vidéo. Les récentes créations d’Hannes explorent les règles mathématiques et symétriques de structures organiques complexes, donnant vie à des œuvres hypnotiques. 

Hannes a reçu de nombreux prix (tels que Design Made In Germany, Games for Change Europe, New media Awards, A MAZE.Berlin…) et son travail a fait l’objet de nombreuses expositions d’envergure (Art Basel Miami, Contemporary Calgary, Autodesk Exhibition, Print Screen Festival, Stroke Art Fair, NFT Liverpool…). Il a également collaboré avec de prestigieuses marques telles que Nike, Addidas, Sony Japan et des médias comme Vice Magazine, Wired Magazine, Quanta Magazine et bien d’autres. Hannes a été maître de conférence à la Köln International School of Design de 2017 à 2018 et à la Technische Universität Braunschweig de 2017 à 2019. Il a récemment créé Bloom, un collectif de designers composé des quelques talents les plus créatifs de l’industrie des NFT et défendant les plus hauts niveaux de qualité, d’intégrité et de diversité. 

Symbiotic Cycle

“Symbiotic Cycle” est une exploration visuelle en cours qui traite des concepts de paradigmes de conception spéculative de bioformes cultivées et autarciques.

L’essor des systèmes agricoles autonomes cultivant des plantes et du bétail soulève la question de savoir à quoi ils ressembleront. Chaque épisode de cette série est soigneusement conçu, soulignant la complexité des écosystèmes cultivés hautement efficaces sans compromettre l’esthétique visuelle.

“Symbiotic Cycle” est directement lié à “Recharge Cycle” et fait partie d’une série de 5 pièces en collaboration avec l’artiste Dexamol.

MANEKIA CYCLE

“Manekia”, qui fait partie du projet “Cycle”, est une exploration visuelle en cours qui traite des concepts de paradigmes de conception spéculative de bioformes cultivées et autarciques.

L’essor des systèmes agricoles autonomes cultivant des plantes et du bétail soulève la question de savoir à quoi ils ressembleront. Chaque épisode de cette série est soigneusement conçu, soulignant la complexité des écosystèmes cultivés hautement efficaces sans compromettre l’esthétique visuelle.

“Manekia Cycle” est directement lié à “R & D Cycle” et fait partie d’une série de 5 pièces en collaboration avec l’artiste Dexamol.

LIQUID GARDEN A1

Liquid Garden est le deuxième volet de la populaire série “Garden”. Cette paire d’œuvres complémentaires vous fait voyager à travers des installations surréalistes de bonsaïs inspirés des jardins de rocaille japonais (枯山水, karesansui) et des sources chaudes naturelles (温泉, onsen). Asseyez-vous, profitez du paysage et respirez profondément.