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Les Boutiques du Palais

Le Palais des Congrès de Paris est à l’origine du leadership mondial de Paris pour les congrès. C’est aussi un lieu prisé par les amoureux des arts vivants : comédies musicales, orchestres symphoniques, ballets internationaux, concerts d’exception.

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Linda Dounia

Linda Dounia est une artiste expérimentale, designer, écrivain et curatrice qui étudie les implications philosophiques du techno-capitalisme et son rôle dans le renforcement des systèmes d'inégalité. Sa pratique est un processus actif de décolonisation de son esprit et de démêlage des récits fragmentés et exclusifs qui sont associés à son identité en imaginant des réalités et des avenirs alternatifs. Elle s'inspire de la science-fiction et du design spéculatif. Son travail est la médiation de vérités alternatives et de manières exclues d'être et de faire. Il se forme dans l'espace liminaire entre l'immatériel et le matériel par la combinaison de médiums analogiques et numériques - acrylique, encre, pastels, marqueurs, scanners, vecteurs, vidéo, GAN, IA générative, code, et une gamme de matériaux non destinés à la création artistique.

Son travail a été exposé chez Christie's, à la galerie Larsen Warner, à Unit London, à Art X Lagos, à Partcours, à Art Basel (Basel, Miami), à la Biennale de Dakar, à Artsy NFT, à Digital Art Fair Asia et à Art Dubai.

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Once Upon A Flower 5

"Once Upon A Garden" est un jardin numérique né d'une collaboration entre moi-même et un GAN qui a fait ses débuts à Art X Lagos en novembre 2022. Il s'agit d'une projection dystopique d'un résultat probable du réchauffement climatique, qui dépeint un monde où les humains doivent désormais vivre avec des images simulées de plantes et de fleurs, qui ont toutes disparu de la Terre. À travers des collections de photographies assistées par l'IA d'une variété de flore indigène, originaire de la région sahélienne de l'Afrique de l'Ouest, l'installation pose la question fondamentale : Notre contemplation de l'art peut-elle restaurer notre capacité collective à nous pencher sur notre environnement et notre sens des responsabilités envers sa préservation ? L'installation tente de répondre à cette question par le spectacle de la flore en tant que souvenir lointain, afin d'évoquer un désir pour ce qui a été perdu et, espérons-le, de susciter le désir de protéger ce qui a survécu. J'ai d'abord dressé une liste de plus de 100 espèces de flore endémiques de la région sahélienne, classées comme menacées par la Liste rouge des espèces menacées de l'UICN. J'ai ensuite parcouru le web à la recherche d'images de ces plantes pour créer la base de données que j'utiliserais ultérieurement lors de la première phase d'entraînement. J'avais déjà rencontré certaines de ces plantes auparavant, mais beaucoup m'étaient inconnues. Il m'est apparue que je pourrais ne pas avoir l'occasion de voir la majorité de ces plantes dans la nature de mon vivant, compte tenu de la vitesse à laquelle la faune disparaît de la Terre. À partir de cette base de données, j'ai ensuite présélectionné des plantes qui, selon moi, s'intégreraient bien dans un jardin, et j'ai utilisé l'outil d'IA DALL.E pour générer un grand nombre de variations de chaque plante. Cela m'a permis de constituer une deuxième base de données, plus raffinée, spécifiquement pour cette installation, que j'ai utilisée pour entraîner un GAN. J'ai utilisé les premières sorties du GAN, soit 8 000 images de plantes, pour créer des animations de plantes individuelles que j'ai ensuite rassemblées dans la composition finale.

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Once Upon A Flower 7

"Once Upon A Flower" est un jardin numérique né d'une collaboration entre moi-même et un GAN qui a fait ses débuts à Art X Lagos en novembre 2022. Il s'agit d'une projection dystopique d'un résultat probable du réchauffement climatique, qui dépeint un monde où les humains doivent désormais vivre avec des images simulées de plantes et de fleurs, qui ont toutes disparu de la Terre. À travers des collections de photographies assistées par l'IA d'une variété de flore indigène, originaire de la région sahélienne de l'Afrique de l'Ouest, l'installation pose la question fondamentale : Notre contemplation de l'art peut-elle restaurer notre capacité collective à nous pencher sur notre environnement et notre sens des responsabilités envers sa préservation ? L'installation tente de répondre à cette question par le spectacle de la flore en tant que souvenir lointain, afin d'évoquer un désir pour ce qui a été perdu et, espérons-le, de susciter le désir de protéger ce qui a survécu. J'ai d'abord dressé une liste de plus de 100 espèces de flore endémiques de la région sahélienne, classées comme menacées par la Liste rouge des espèces menacées de l'UICN. J'ai ensuite parcouru le web à la recherche d'images de ces plantes pour créer la base de données que j'utiliserais ultérieurement lors de la première phase d'entraînement. J'avais déjà rencontré certaines de ces plantes auparavant, mais beaucoup m'étaient inconnues. Il m'est apparue que je pourrais ne pas avoir l'occasion de voir la majorité de ces plantes dans la nature de mon vivant, compte tenu de la vitesse à laquelle la faune disparaît de la Terre. À partir de cette base de données, j'ai ensuite présélectionné des plantes qui, selon moi, s'intégreraient bien dans un jardin, et j'ai utilisé l'outil d'IA DALL.E pour générer un grand nombre de variations de chaque plante. Cela m'a permis de constituer une deuxième base de données, plus raffinée, spécifiquement pour cette installation, que j'ai utilisée pour entraîner un GAN. J'ai utilisé les premières sorties du GAN, soit 8 000 images de plantes, pour créer des animations de plantes individuelles que j'ai ensuite rassemblées dans la composition finale.

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Once Upon A Flower 2

"Once Upon A Flower" est un jardin numérique né d'une collaboration entre moi-même et un GAN qui a fait ses débuts à Art X Lagos en novembre 2022. Il s'agit d'une projection dystopique d'un résultat probable du réchauffement climatique, qui dépeint un monde où les humains doivent désormais vivre avec des images simulées de plantes et de fleurs, qui ont toutes disparu de la Terre. À travers des collections de photographies assistées par l'IA d'une variété de flore indigène, originaire de la région sahélienne de l'Afrique de l'Ouest, l'installation pose la question fondamentale : Notre contemplation de l'art peut-elle restaurer notre capacité collective à nous pencher sur notre environnement et notre sens des responsabilités envers sa préservation ? L'installation tente de répondre à cette question par le spectacle de la flore en tant que souvenir lointain, afin d'évoquer un désir pour ce qui a été perdu et, espérons-le, de susciter le désir de protéger ce qui a survécu. J'ai d'abord dressé une liste de plus de 100 espèces de flore endémiques de la région sahélienne, classées comme menacées par la Liste rouge des espèces menacées de l'UICN. J'ai ensuite parcouru le web à la recherche d'images de ces plantes pour créer la base de données que j'utiliserais ultérieurement lors de la première phase d'entraînement. J'avais déjà rencontré certaines de ces plantes auparavant, mais beaucoup m'étaient inconnues. Il m'est apparue que je pourrais ne pas avoir l'occasion de voir la majorité de ces plantes dans la nature de mon vivant, compte tenu de la vitesse à laquelle la faune disparaît de la Terre. À partir de cette base de données, j'ai ensuite présélectionné des plantes qui, selon moi, s'intégreraient bien dans un jardin, et j'ai utilisé l'outil d'IA DALL.E pour générer un grand nombre de variations de chaque plante. Cela m'a permis de constituer une deuxième base de données, plus raffinée, spécifiquement pour cette installation, que j'ai utilisée pour entraîner un GAN. J'ai utilisé les premières sorties du GAN, soit 8 000 images de plantes, pour créer des animations de plantes individuelles que j'ai ensuite rassemblées dans la composition finale.

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Stuart Ward

Stuart Ward est un artiste canadien contemporain. Sa formation artistique s'est concentrée sur la peinture à l'huile et la théorie de l'art ; après ses études, il s'est orienté vers le travail numérique alors qu'il se trouvait à Tokyo, à l'apogée de la scène VJ, au milieu des années 2000. Passant du numérique au physique-numérique à la fin des années 2000, il s'est plongé dans l'expérience artistique immersive et a commencé à explorer le pouvoir des installations artistiques interactives. Son travail emprunte désormais aux leçons du design d'expérience pour éclairer la manière dont les œuvres d'art peuvent être exprimées dans un environnement sans limites physiques.

De ses premières œuvres de VJ à ses créations les plus récentes, le thème central du travail de Ward est la possibilité d'offrir une expérience transformationnelle qui n'est encombrée d'aucune limite matérielle ; un moment d'exaltation et d'émerveillement qui ne peut émerger que de l'expérience esthétique, quel que soit l'endroit où elle se déroule ou la forme qu'elle prend.

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Ecstatic Dance 2

Dans cette œuvre, une danseuse extatique solitaire se tient au milieu d'un environnement néobaroque déconstruit. Son corps est figé dans le mouvement, capturé en plein tourbillon, tandis que le monde qui l'entoure tourbillonne dans un mouvement chaotique. L'immobilité de la danseuse contrastant avec le mouvement de son environnement crée une juxtaposition d'attentes. L'œuvre invite le spectateur à s'interroger sur le rôle du mouvement et de la danse dans un monde au rythme effréné et souvent accablant.

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Venus

Dans la mythologie romaine, Vénus était la déesse de l'amour, de la beauté et de la fertilité. Sa naissance est souvent représentée dans l'art, notamment dans le célèbre tableau de Sandro Botticelli intitulé "La naissance de Vénus". Dans ce tableau, Vénus est représentée émergeant d'un coquillage, entièrement formée et rayonnante. Cette image capture l'essence de Vénus, qui est souvent associée à la beauté et à l'émerveillement du monde naturel. En tant que déesse de l'amour et de la fertilité, Vénus incarne le pouvoir créatif et vivifiant de l'univers. Son image nous incite à célébrer la beauté et l'émerveillement du monde qui nous entoure et à reconnaître le caractère sacré de toute vie. Son histoire nous rappelle l'importance de l'amour et de la connexion, ainsi que le rôle que jouent la beauté et l'art dans l'éveil de notre esprit et l'élévation de notre conscience. L'œuvre d'art capture l'essence de son pouvoir et de sa beauté, nous invitant à puiser dans l'énergie créatrice et vivifiante qu'elle incarne.

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Transformation at the Gates of Eternity

Dans la mythologie grecque, Perséphone était la fille de Zeus et de Déméter, et était connue comme la déesse du printemps et de la fertilité. Cependant, sa vie a pris un tournant dramatique lorsqu'elle a été enlevée par Hadès, le dieu des enfers. Dans les enfers, Perséphone a été transformée, à la fois physiquement et spirituellement. On lui donne le fruit des enfers à manger, ce qui la lie au royaume des morts. Grâce à sa transformation, Perséphone est devenue la déesse du monde souterrain, régnant sur les morts et les esprits qui habitent ce royaume. L'œuvre d'art capture l'essence de son moment de transformation, la dépeignant comme une figure puissante qui incarne à la fois la vie et la mort. Son histoire nous rappelle le pouvoir de la transformation et le potentiel de croissance qui peut découler des expériences les plus difficiles. Le voyage de Perséphone nous invite à embrasser les cycles de la vie et de la mort et à reconnaître le pouvoir de transformation du monde souterrain comme un chemin vers l'évolution spirituelle.

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Yuri Mo

Yuri est un designer multidisciplinaire et artiste 3D né en Ukraine et basé en Israël. Avec plus d’une décennie d’expérience dans le domaine du design industriel, Yuri a conçu des produits innovants pour des startups en Israël et des entreprises internationales. Après une expérience de mort imminente en 2016, sa perception de la vie et de la réalité a subi un profond changement, l’amenant à trouver de nouvelles façons d’exprimer sa créativité et sa vision. Quelques années plus tard, son exploration l’a amené à travailler l’art 3D, où il a trouvé un médium parfaitement adapté pour transmettre son nouveau point de vue et libérer son potentiel artistique.

Inspiré par les univers des jouets, de la robotique, de la nature et des animaux. Son processus créatif est alimenté par le désir de capturer le monde à travers les yeux d’un enfant, dans une perspective qui cherche à insuffler magie et ludisme dans ses œuvres. Animé par une fascination pour les matériaux transparents, Yuri donne habilement aux spectateurs un aperçu du domaine intérieur des objets, comme s'il dénouait un mystère captivant. Son exploration artistique de la transparence offre une perspective unique, invitant les observateurs à éplucher les couches et à découvrir les récits cachés à l’intérieur.

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Peacock

Œuvre issue d’une série de créations 3D inspirées par la beauté de la nature et des animaux. Les paons symbolisent la croissance, le rajeunissement, la royauté, le respect, l’honneur et l’intégrité.

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2 Parrots

Œuvre issue d’une série de créations 3D inspirées par la beauté de la nature et des animaux. 2 Parrots est un emblème de dévouement et d’amour durable.

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Hoopoe

Œuvre issue d’une série de créations 3D inspirées par la beauté de la nature et des animaux. La huppe est souvent liée à la sagesse, la majesté, la royauté et le divin.

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Jules Langeard

Jules Langeard est un artiste numérique français, photographe, vidéaste et créateur de contenu pour des campagnes numériques et imprimées, qui a travaillé avec des entreprises telles que Porsche, Richard Mille et Honda. Ses compétences en narration visuelle lui ont permis de travailler dans de nombreux secteurs différents, notamment les sports d'action en plein air, le luxe, le documentaire, les voyages et l'édition. À l'âge de 16 ans, on lui a demandé de prendre des photos d'un ami pour un magazine de VTT et les photos qui en ont résulté ont été publiées. C'est à ce moment-là que sa passion pour la narration a commencé.


Les boucles hypnotiques de skateboarders et de cyclistes de Jules sont ce qui l'a amené à être reconnu aujourd'hui sur les réseaux sociaux. L'artiste exploite intentionnellement la psychologie derrière la captation de l'attention des gens sur les réseaux sociaux, en utilisant des techniques de croissance (growth hacking) comme commentaire pour son travail. « L'aspect principal de mon travail est d'attirer votre attention et de vous inciter à regarder de plus près. Avec une formation technique et professionnelle très poussée dans l'industrie des médias et une expérience de 10 ans, je suis devenu spécialiste de l'attention numérique. Il y a d'innombrables créateurs de contenu, la différence entre l'un et l'autre réside dans l'histoire racontée », affirme-t-il. « Nous consommons énormément de contenu chaque jour et l'oublions quelques secondes plus tard. Mon objectif est de créer un travail qui accorde une attention particulière à l'histoire. Parfois considéré comme une œuvre d'art, il est souvent réalisé avec des techniques de croissance (growth hacking). Je puise mon inspiration à la fois chez des magiciens du marketing tels que Ryan Holiday, des artistes numériques comme Pablo Rochat ainsi que chez Ari Fararooy, et je suis sous l'influence historique de Henry Cartier-Bresson. Dans l'ensemble, je suis capable de créer une œuvre qui s'adapte au support et se démarque. »

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INFINITY 8.0

Les boucles de skateboarders et de bikers de Jules Langeard s'appuient intentionnellement sur la psychologie qui permet de capter l'attention des gens sur les médias sociaux, en utilisant les techniques de growth hacking comme commentaire pour ce travail. En tenant compte de la symétrie, de la composition et de diverses autres considérations géométriques, l'œuvre d'art qui en résulte est à la fois hypnotique et étrangement satisfaisante.

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COUNTLESS

Les boucles de skateboarders et de bikers de Jules Langeard s'appuient intentionnellement sur la psychologie qui permet de capter l'attention des gens sur les médias sociaux, en utilisant les techniques de growth hacking comme commentaire pour ce travail. En tenant compte de la symétrie, de la composition et de diverses autres considérations géométriques, l'œuvre d'art qui en résulte est à la fois hypnotique et étrangement satisfaisante.

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SNAKE

Les boucles de skateboarders et de bikers de Jules Langeard s'appuient intentionnellement sur la psychologie qui permet de capter l'attention des gens sur les médias sociaux, en utilisant les techniques de growth hacking comme commentaire pour ce travail. En tenant compte de la symétrie, de la composition et de diverses autres considérations géométriques, l'œuvre d'art qui en résulte est à la fois hypnotique et étrangement satisfaisante.

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Makeitrad

Makeitrad est un designer et un manipulateur de pixels basé à Los Angeles dont le travail consiste à retrouver la beauté organique de la nature tout en étant piégé dans un monde de technologie. Il a souvent recours à l'intelligence artificielle et à l'apprentissage automatique, mais il s'intéresse également aux idées de hasard et de bruit pour créer les formes finales. Grâce à son incroyable capacité à trouver l'inspiration à travers la lentille d'un enfant, le résultat est une œuvre d'art perspicace et inspirante qui est également vibrante, innocente et amusante.


Makeitrad a participé à de nombreuses expositions dans des galeries aux États-Unis, dont un espace de galerie virtuelle Cryptovoxels pour promouvoir 1893 : Year of the Yogi Documentary en novembre 2021, une exposition numérique au Winston Watcher à Seattle de juillet à août 2022 et une installation, une sculpture et un collage mettant en avant le thème du Futurisme dans les médias numériques à la Hicks Art Center Gallery Newtown, PA d'août à octobre 2022. 

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Tangled

« Tangled » dévoile la lutte complexe de la vie. Les mains abîmées émergeant du sol aride représentent la double nature de l’existence humaine, tandis que le cactus résilient symbolise les dures réalités rencontrées en cours de route. Au milieu de la terre sèche, des plantes succulentes vibrantes fleurissent, incarnant notre capacité de résilience. Cette œuvre invite à la contemplation sur l’entrelacement de la beauté et des difficultés de la vie, nous rappelant que la croissance émerge souvent de l’adversité et que la vraie force réside dans l’acceptation des paysages de notre propre existence.

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Dreams

« Dreams », créée à l’origine pour la fête des Mères, utilise des fleurs de verre d’inspiration baroque comme métaphore de la nature multiforme des femmes que nous aimons. Grâce à une animation gracieuse et un mélange harmonieux d’éléments naturels et artificiels, l’œuvre symbolise la force, la résilience et la beauté qui s’y trouvent. Les délicats pétales des fleurs de verre se transforment, reflétant la fluidité et la grâce. Avec une palette de couleurs vibrante, l’œuvre célèbre l’impact profond des femmes dans nos vies, mettant en évidence leur beauté complexe et leur pouvoir émancipateur.