Credit Agricole Innovation Show

CRÉDIT AGRICOLE

En partenariat avec ARTPOINT, l’Innovation Show by CA vous offre l’expérience de l’art numérique. Découvrez durant les trois jours de ce salon une collection d’art numérique exceptionnelle et retrouvez ici les détails de l’exposition actuelle !

PARSE ERROR

Connu sous le pseudonyme Parse/Error, Fabien Bouchard est un artiste français basé à Marseille. Autodidacte, son travail né de la rencontre entre art, design et technologie et porte sur l’interaction entre l’homme et la nature, dans un monde envahi par le numérique et les nouveaux usages de la communication. De formation scientifique et informatique, il utilise les nouvelles technologies et la science pour interroger les problématiques actuelles sous différents angles, à la frontière entre plusieurs univers créatifs.

Après des études en biologie, puis en nouvelles technologies de l’information et des expériences professionnelles dans le monde du web, il a observé pendant 10 ans la créativité contemporaine et ses nouvelles formes d’expression en créant et éditant le web magazine UFUNK. Il structure désormais son travail autour de l’entité Parse/Error, afin de proposer des projets concrets et centrés sur les problématiques qui lui tiennent à cœur. Tout en cherchant à recréer des émotions à partir des flux de données de plus en plus omniprésents, il oscille à l’interface entre technologie et sensibilité humaine. Portée par un regard décalé, sa pratique artistique mélange ouvertement art numérique et génératif, impression 3D, objets connectés, bois, peinture, street-art, électronique, lumière, installations immersives et données en temps-réel. Son travail a reçu un accueil très positif au travers de nombreux articles (Usbek & Rica, L’ADN, Hypebeast, DesignBoom, Mashable, Inhabitat, Journal du Design, etc.), et a notamment été exposé à Paris, Marseille, Berlin, Hambourg, New-York ou Manchester.

DÉCOUVRIR

COLOR FLOW PARTICLES

Un flux sans fin de particules et de couleurs, une composition toujours changeante inspirée des mouvements de la nature. Cette création est également un hommage au célèbre artiste japonais et graveur sur bois Hiroshi Yoshida. Il utilise les palettes de couleurs de cet artiste étonnant pour générer des vagues hypnotiques.

DEEP-SEA CREATURE I

Une expérience inspirée par les créatures mystérieuses qui peuplent les fonds marins, par ces beautés fragiles que la nature nous offre et que nous ne savons souvent même pas percevoir. Une expérience générative basée sur le hasard, jouant avec le mouvement et la couleur pour créer une créature en constante évolution.

strange attractor

Une création qui invite le spectateur à plonger dans une murmure en constante évolution. Inspiré par les mouvements de la nature, Strange Attractor est aussi un hommage à la puissante énergie qui se dégage de la calligraphie chinoise et japonaise. Quand les équations complexes et le hasard dessinent une chorégraphie sans fin… Une étude sur l’énergie et le mouvement, un système basé sur le bruit de courbure et l’attracteur étrange (dadras).

NADIIA PLAIMKO

Nadiia Pliamko est une artiste ukrainienne qui utilise des méthodes dépassées d’interprétation de la réalité et des moyens modernes pour les préparer. L’artiste utilise la plasticité moderne en 3D pour révéler sensoriellement des doutes communs pressants. Sa période de créativité actuelle se caractérise par une synthèse du réalisme magique, résultat qu’elle obtient à partir d’images classiques et de dissonances modernes. Depuis 2007, Pliamko a participé à plus de 20 expositions collectives et 3 expositions individuelles. Au fil des ans, sa technique artistique a connu de nombreuses transformations. En commençant par l’imitation numérique du dessin analogique, elle a également fait passer des idées par la sculpture, le collage, et finalement par une combinaison de peinture et de 3D. Toutes ces techniques mettent en évidence le cœur de son chemin créatif : l’alternance décorative avec une narration surréaliste non linéaire sursaturée de symboles logiques qui cherchent à garantir une ” lecture ” commode de phénomènes complexes. Dans les connexions entre les objets, une gamme d’interprétations de diverses expériences et entités est posée, afin de montrer leur versatilité.

En combinant ses expériences académiques à l’Institute of Contemporary Art, à la British School of Design, au Center for Psychological Counseling et à des centres de logiciels certifiés, Pliamko développe un langage visuel à l’intersection de ces disciplines.

DÉCOUVRIR

Sentiment

Lettre d’amour à mon mari, lui racontant nos histoires avec mes propres mots.

portrait

La magie qu’une femme aimerait voir à l’intérieur d’elle-même, mais elle existe déjà en elle et elle ne la voit pas à cause de la plantation séculaire de l’idée de sa médiocrité.

love story

Le début de l’histoire de la relation entre l’ancienne et la nouvelle numérisation.
L’incarnation de l’ancien internet et l’époque où tout le monde a commencé à s’inquiéter de la perte d’identité due à la superposition d’images virtuelles. Notre vision passée d’un futur avec des robots, la peur de l’augmentation et une vallée étrange.

RYAN TALBOT

Ryan Talbot est un artiste 3D contemporain qui a grandi en Californie du Sud. Il a travaillé avec de nombreuses marques au fil des ans, notamment Nickelodeon, Nissan, New Balance, Lil Nas X, America’s Got Talent, Western Digital, Star Trek et bien d’autres. Il a remporté le grand prix de Australia’s Got Talent en 2019, collaborant avec la danseuse Kristy Sellars sur des pièces de danse visuellement interactives.

Depuis 2021, Ryan a délaissé le travail avec les clients pour vendre ses œuvres d’art personnelles sous forme de NFT. Sa série actuelle est centrée sur des robots fantaisistes et leur perspective sur l’univers, souvent à une échelle micro. Dans cet univers, les adorables et sympathiques personnages robots interagissent les uns avec les autres et avec leur environnement naturel, ce qui pose la question de la relation entre la technologie et la nature. L’outil de prédilection de Talbot est actuellement Cinema4D, et il espère un jour écrire et réaliser un long métrage. Pendant son temps libre, vous le trouverez peut-être en train d’emmener son chien au parc ou de préparer un bon bol de Udon.

DÉCOUVRIR

Bounce

Pas de plan. Pas d’utilité. Just Bounce.

Cette œuvre d’art a fait partie d’une vente d’éditions ouvertes au début de l’année 2023. 1 278 éditions ont été collectées via Manifold.

lighter than air

Vendue aux enchères chez Sotheby’s Paris. Créé pour mon jeune âge. Animation par Ryan Talbot, musique par Jonathan Richmond.

Push of encouragement

Lily reçoit une poussée encourageante de Tank alors qu’elle essaie de patiner sur la patinoire pour la première fois.

SAEKO EHARA

Saeko Ehara est une artiste Kirakira (scintillante) et une VJ basée à Tokyo. Ses œuvres traitent principalement de la représentation de motifs Kirakira tels que des bijoux et des fleurs. Elle puise son inspiration dans les souvenirs de son enfance, où autocollants Kirakira, bijoux acryliques, petites verreries et livres illustrés de fleurs constituent le point de départ de ses créations. À travers ses œuvres, elle aimerait que le monde soit rempli de Kirakira.

Saeko Ehara a exposé et montré son travail au niveau international, que ce soit dans des salles de concert et des arènes dans le cadre de son travail de VJ, ou dans des expositions d’art telles que CADAF New York, Crypto Art Week Asia et REFRACTION 02, pour n’en citer que quelques-unes. Elle a exposé à Tokyo, New York, Dubaï, Londres et Los Angeles, entre autres.

DÉCOUVRIR

Dreamy creatures

es kirakira (motifs étincelants) et les fleurs m’étreignent toujours. C’est mon monde de rêve avec des textures et des reflets de perles brillantes

prismatic garden

Le monde à l’écran s’étend sans limite comme s’il était reflété dans un prisme. Les roses dans “le monde” sont étincelantes comme des bijoux et fleurissent avec différentes sortes de couleurs.

pastel blue girl with the earrings

Cette œuvre a été créée lors de mes expériences avec TouchDesigner et Midjourney. Toutes les images sont créées par l’IA et sont basées sur le thème de “La jeune fille à la perle” de Johannes Vermeer.

MALAVIDA

Maalavidaa, de son vrai nom Alycia Rainaud, est une graphiste et artiste numérique canadienne française basée à Montréal. Son esthétique abstraite hautement saturée trouve son inspiration dans la thérapie jungienne, la thérapie par la couleur et la méditation. Le travail d’Alycia vise à explorer la complexité des émotions par le biais de l’introspection créative, afin d’accroître l’intelligence émotionnelle et la sensibilité à la santé mentale. Avec cet objectif comme fil conducteur, elle a fondé Heal The Deal, le premier club de soutien émotionnel du Metaverse, un espace sûr animé par la créativité et l’empathie, ainsi qu’une passerelle vers une nouvelle voie dans le voyage d’Alycia. Elle a créé Maalavidaa en 2016, à la fois comme un personnage et un état d’esprit artistique, tout en obtenant en juin 2018 un master en design graphique et une thèse traitant de l’importance de la psychologie dans le design.

Depuis, Alycia travaille en tant que directrice de création indépendante tout en s’attachant principalement à mettre la santé mentale et le bien-être au premier plan de sa pratique, se définissant comme une designer des émotions. Outre son expérience dans le domaine de l’impression, Alycia a également de l’expérience dans les domaines suivants : branding, motion design, programmation, UI/UX, design textile, découpe laser, impression 3D, offset/sérigraphie et médiation culturelle.

DÉCOUVRIR

Amalthea

Œuvre d’art originale de Maalavidaa. ” Amalthea ” est le cinquième Vaisseau de la troisième étape du voyage de Heal The Deal vers la guérison.

Rhea

Œuvre d’art originale de Maalavidaa. ” Rhea ” est le quatrième Vaisseau de la troisième étape du voyage de Heal The Deal vers la guérison.

wash it all away

Œuvre d’art originale de Maalavidaa.

OBVIOUS

Obvious est un collectif de chercheurs, d’artistes et d’amis qui travaillent avec les derniers modèles de ‘deep learning’ pour explorer le potentiel créatif de l’intelligence artificielle. Ils utilisent leur travail pour partager leur vision de l’intelligence artificielle et de sa mise en œuvre dans notre société. En 2018, ils ont été à l’origine de la vente de la première œuvre d’art sur l’IA à passer par la grande maison de vente aux enchères, Christie’s. Cette œuvre, “Portrait d’Edmond de Belamy”, a été vendue pour la somme incroyable de 432 500 dollars.

Depuis, les artistes ont été cités dans Forbes 30 Under 30, ainsi que dans des magazines d’art tels que artnet, The Art Newspaper, Artsy, et dans d’autres médias, notamment CNN, CNBC, le Financial Times et bien d’autres encore. Dans le manifeste d’Obvious, ils déclarent ce qui suit : Nous souhaitons démontrer que les algorithmes nous aident à mieux comprendre comment nous fonctionnons en tant qu’êtres humains et nous poussent à dépasser notre niveau actuel de créativité.

DÉCOUVRIR

Pyramid of gyza

La Grande Pyramide de Gizeh, vue par des algorithmes texte-image alimentés par des textes anciens.

“L’accident a fait tomber dans l’oubli les noms de ceux qui ont érigé de si prodigieux monuments de leur vanité” Pline l’Ancien, 77 de notre ère, Histoire naturelle, LIVRE XXXVI, 17

“Deux d’entre eux sont même comptés parmi les sept merveilles du monde, car ils ont un stade de hauteur, sont de forme quadrangulaire, et leur hauteur est un peu plus grande que la longueur de chacun des côtés ; et l’un d’entre eux est seulement un peu plus grand que l’autre”. Strabon, 17 avant notre ère, The Geographica, Livre XVII

“Sur l’un des côtés, à une hauteur moyenne, se trouve une pierre que l’on peut retirer ; une fois celle-ci enlevée, on accède au tombeau par un passage oblique.” Strabon, 17 avant notre ère, Les Géographes, Livre XVII.1

Statue of zeus

La statue de Zeus à Olympie, vue par des algorithmes texte-image alimentés par des textes anciens.

“La statue donne l’impression que si Zeus se levait et se tenait droit, il déferait le toit du temple”. Strabon, 17 avant notre ère, Geographica, Livre VIII, 3

“Le trône était orné de figures peintes et d’images forgées, et décoré d’or, de pierres précieuses, d’ébène et d’ivoire. Pausanias, Description de la Grèce, Livre V, 11

“Le sol devant l’image était pavé de carreaux noirs et entouré d’un rebord de marbre surélevé pour contenir l’huile. Ce réservoir servait de bassin réfléchissant qui doublait la hauteur apparente de la statue” Pausanias, Description de la Grèce, Livre V, 1

Temple of artemis at ephesus

Le temple d’Artémis à Éphèse, vu par des algorithmes texte-image alimentés par des textes anciens.

“Un merveilleux monument de la magnificence grecque, qui mérite notre véritable admiration”. Pline l’Ancien, 77 de notre ère, Histoire naturelle, LIVRE XXXVI, 21

“J’ai contemplé la muraille de la haute Babylone, sur laquelle est tracée une route pour les chars, la statue de Zeus près de l’Alphée, les jardins suspendus, le colosse du Soleil, l’immense travail des hautes pyramides et le vaste tombeau de Mausolus ; mais quand j’ai vu la maison d’Artémis qui s’élevait jusqu’aux nuages, ces autres merveilles ont perdu leur éclat, et j’ai dit : “En dehors de l’Olympe, le Soleil n’a jamais rien contemplé d’aussi grandiose”. Antipater de Sidon, 140 av. J.-C. Anthologie grecque IX.58

“Ensuite, autour de cette image, on éleva un sanctuaire aux larges fondations. À l’aube, on ne verra rien de plus divin, rien de plus riche.” Callimaque, 238 avant notre ère, Hymnes III. à Artémis, v. 248-250

SABRINA RATTE

Sabrina Ratté est une artiste canadienne vivant à Montréal. Sa pratique s’intéresse aux multiples manifestations de l’image numérique : la vidéo analogique, l’animation 3D, la photographie, l’impression, la sculpture, la réalité virtuelle et l’installation. L’intégration continuelle de nouvelles techniques lui permet d’explorer sous des formes sans cesse renouvelées les thèmes qui traversent ses œuvres : l’influence qu’exercent l’architecture et l’environnement numérique sur notre perception du monde, la relation que nous entretenons avec l’aspect virtuel de l’existence, la fusion entre technologie et monde organique. Ses œuvres se situent à mi-chemin entre l’abstraction et le figuratif, le paysage et l’architecture, et sur la fine ligne qui sépare le réel du virtuel.

Elle a été nominée pour le Prix Sobey pour les arts en 2019 et 2020. Ses œuvres ont été présentées internationalement par plusieurs institutions dont le Centre Pompidou (Paris), Arsenal Contemporary Art (New York), Laforet Museum (Tokyo), Musée des beaux-arts de Montréal, PHI Center (Montreal), Whitney Museum of Art (New York), Chronus Art Center, (Shanghai), Museum of the Moving Image (New York). Son travail fait partie de la collection du Musée d’art contemporain de Montréal et celle d’Hydro-québec. Au printemps 2022, la Gaîté Lyrique lui consacre sa première grande exposition monographique.

DÉCOUVRIR

OBJETs MONDE I

Objets-monde s’intéresse aux traces que laissent les humains sur l’environnement ainsi qu’à la manière dont celles-ci deviennent une partie intrinsèque de notre écosystème. Des objets laissés à l’abandon, tels des voitures ou des écrans d’ordinateur, ont été capturé avec l’aide de la photogrammétrie afin de créer un collage vidéo composé d’extraits du réel. Re-contextualisés dans des proportions démesurément grandes au sein de paysages vus de loin, ces rebus s’imposent telles des ruines d’architectures monumentales. L’absence de vie ainsi que l’ambiance lumineuse de l’oeuvre créent une tension entre sentiment apocalyptique et nostalgie, entre objet précieux et rebus, entre nature idéalisée et présence indélébile des traces humaines. Ces vestiges de l’anthropocène sont déployés au sein d’une installation interactive en collaboration avec Guillaume Arseneault, et d’une trame sonore composée par Roger Tellier-Craig.

RADIANCES V

Radiances est une série de peintures en mouvement. Grâce à une combinaison d’animation 3D, de synthèse vidéo et de manipulations numériques, des textures picturales et des formes organiques émergent pour créer des paysages animés.

machiné for living: Montigny le bretonnieux

Machine for Living est un projet élaboré dans le cadre d’une résidence de 9 mois au Château Ephémère (Carrière-sous-Poissy, France). La série de vidéos s’intéresse à l’architecture des Villes nouvelles et aux bâtiments d’habitation brutalistes dans les environs de Paris. Des villes telles que Noisy-le-Grand, Montigny-le-Bretonneux, Créteil, Grigny, Cergy-Pontoise, Nanterre et Ivry-sur-Seine ont été au centre de cette recherche. Créée à partir de photographies, d’une animation 3D et d’un synthétiseur vidéo, Machine for Living combine documentation et abstraction et se situe à la frontière entre utopie et dystopie.

JOHAN BARON

Johann Baron Lanteigne vit et travaille à Québec, Canada. Toutefois, l’essence de son travail provient d’infiltrations de nombreuses cyber-communautés et de collaborations virtuelles. Cette pratique issue du web est reflétée à l’international par des participations à de nombreux événements d’art numériques: The Wrong Biennale, real-fake, Les Garages Numériques (BE), Mapping Festival (CH), Mirage Festival (FR), Vector Festival (CA), Dutch Design Week (NL), Sónar+D (ES), CUVO Video Art Festival (ES), Electrofringe (AU), CPH:DOX (DK) ainsi qu’au Musée Ludwig de Budapest (HU). Johann se spécialise aussi comme consultant technologique auprès d’artistes et de centres d’artistes autogérés.

Johann explore notre relation avec la technologie et son infrastructure par l’entremise d’installations d’écrans modifiés s’ouvrant sur des mondes virtuels. Aliénante par moment, celle-ci a le potentiel de nous faire oublier le monde physique. Il tente de rappeler l’infrastructure du médium numérique avec des oeuvres qui connectent ces deux réalités. Cette réappropriation de l’écran n’a pas la prétention de contribuer aux avancements technologiques de l’objet de consommation. Elle sert plutôt à développer son image symbolique et à créer un pont entre le réel et le virtuel.

DÉCOUVRIR

MANIPULATION 4

“La main est ma toile. Je la façonne comme je le ferais d’un paysage. Ce sont mes manipulations.”

Cette œuvre est la représentation visuelle de l’engourdissement de la main. Cette œuvre appartient à la série “Manipulation”. Cette série d’œuvres animées repose sur les gestes, leur expressivité et leurs imperfections. Chaque itération permet à l’artiste de toucher la matière virtuelle en pilotant diverses simulations et systèmes procéduraux à partir de données de capture de mouvement.

MANIPULATION 5

MANIPULATION 9

SVCCY

Svccy est un artiste numérique 2D et 3D dont la passion pour les arts visuels a débuté en 2016, lorsqu’il a commencé à créer des images sur Photoshop. Sa pratique s’inspire aujourd’hui principalement du mouvement Vaporwave, né et développé en ligne vers 2011/2012, qui se caractérise par l’utilisation de thèmes nostalgiques tels que les systèmes d’exploitation informatiques et les consoles de jeux vidéo des années 80 et 90, les bustes romains, les centres commerciaux abandonnés et les éléments de la culture japonaise, le tout assaisonné par l’utilisation de teintes violettes et roses. La réinterprétation particulière de Svccy de ce style tend vers une variante plus obscure et introspective. Son travail reflète la condition humaine dans la société actuelle, souvent représentée par des statues sans visage ou recouvertes, qui symbolisent le manque d’identité de l’individu, subjugué par la technologie et par une société ultra-consumériste.

Svccy a reçu de nombreux prix pour son travail, notamment le Work Culture Observatory Award au Connexion Festival de Rome, le gagnant de l’exposition solo Talent Varese, un finaliste du XIVe prix “Sergio Fedriani”, un finaliste du Varese Design Week Talent Award, un finaliste de la première édition du concours artistique organisé par BVLGARI Accessories et COMONExT, et bien d’autres. L’artiste est représenté par la galerie Zanini Arte, avec laquelle il a exposé dans de nombreuses foires d’art. En 2023, Svccy a été exposé à W1 Curates à Oxford Street, Londres, dans son exposition “DYSTOPIAN CONSTRUCTIONS”, qui explorait la diversité du spectre de la société contemporaine.

DÉCOUVRIR

SUNFLOWERS HOUSE

La série Statue Houses fait entrer l’imagination dans de nouveaux espaces de vie humaine. Des designs glorieux du passé et des visions futuristes se rejoignent pour créer des architectures sinueuses où l’environnement onirique met en valeur les structures.

SLEEPING HOME

THE BREATH

L’humanité tente de se retrouver au milieu des décombres d’un monde perdu, exploité et jeté. Le souffle vital qui, malgré tout, s’élève vers une nouvelle vie n’est certainement pas conçu comme un ordre préétabli et donc stérile tel qu’on pourrait l’entendre généralement, mais comme un désordre créatif, porteur d’événements incontrôlables qui obéissent à des règles invisibles, lymphe de la régénération et d’un nouveau souffle universel.

À propos de la série Living Structure

La série analyse la relation difficile entre l’homme et la nature, entre l’urbanisation débridée et la durabilité. Jusqu’où l’homme ira-t-il dans l’exploitation du sol ? Saura-t-il trouver une solution et sortir de ce cercle vicieux qui le conduit à l’autodestruction ? Ou bien disparaîtra-t-il pour laisser place à d’imposants squelettes gris abandonnés, témoins d’une civilisation tournée vers la consommation des ressources et qui n’a pas su préserver son patrimoine environnemental ?

BENJAMIN BARDOU

Benjamin Bardou est un cinéaste, directeur artistique et réalisateur basé à Paris. Sa formation d’artiste se déroule à l’école Georges Méliès d’Orly, un institut spécialisé dans les cours principalement consacrés à l’animation et aux effets visuels. L’une de ses principales sources d’inspiration est le travail du philosophe allemand Walter Benjamin, auquel il a notamment emprunté le concept de matérialisme historique, en le réadaptant visuellement dans le cadre de ses œuvres. Son objectif est de travailler avec des matériaux historiques, mais aussi avec de simples éléments prosaïques urbains pour pénétrer et toucher l’inconscient collectif.

Après avoir étudié la peinture, il a rejoint l’industrie des effets spéciaux où il s’est spécialisé dans l’art du matte painting sur des longs métrages, des publicités et des clips musicaux. Au sein des bureaux de Mikros Image, une société de post-production numérique et d’effets visuels, il travaille ainsi aujourd’hui à la réalisation de longs métrages, de publicités et de clips musicaux. Son travail a déjà été exposé aux quatre coins du monde, du Brésil (FILE Machinima) à la Corée du Sud (K Museum of Contemporary Art), en passant entre autres par la France (Collectif Jeune Cinéma et Motion Motion) et le Portugal (Centro das Artes).

DÉCOUVRIR

IMAGINARY LANDSCAPE 2

Un paysage généré par l’IA et rendu par des nuages de points volumétriques.

IDEAL

Déambulation dans le Passage Jouffroy à Paris.

“La mémoire est le seul paradis dont nous ne pouvons être chassés”. – Johann Paul Friedrich Richter

SPLEEN

Déambulation dans le Passage des Panoramas à Paris.

“Ces grands et beaux navires, qui se balancent (dandinent) imperceptiblement sur les eaux tranquilles, ces navires robustes, avec leur air oisif et nostalgique, ne nous disent-ils pas dans un langage muet : Quand partons-nous pour le bonheur ?” – Charles Baudelaire

GAËL CORBOZ

Gaël Corboz est un artiste et photographe suisse exerçant sa pratique entre Lausanne et Genève. Ses inspirations, qui vont la peinture, de la littérature fantastique, de l’histoire de l’art et de la nature, lui ont permis de développer sa propre identité visuelle et esthétique. Gaël aime particulièrement créer des scènes surréalistes avec une atmosphère aux couleurs vibrantes. Ces scènes sont aussi souvent inspirées de ses propres rêves, dans lesquels des objets lourds deviennent aériens et où la faune et la flore prennent des couleurs et des formes surréalistes. Pour l’artiste, ces œuvres représentent un monde où tout est possible.

Ses travaux sont régulièrement exposés au sein de plusieurs galeries et institutions dans différentes villes comme à Paris, Lausanne, Londres, Genève et New York. En 2020, Il a travaillé pour Gucci mais également auprès d’importants clients tels que Sephora. L’artiste est diplômé de la prestigieuse ECAL – École Cantonale d’Art de Lausanne. Bien qu’inspiré par l’histoire de l’art et la peinture traditionnelle, Corboz se sentait limité par les pratiques artistiques plus traditionnelles et a décidé de se tourner vers l’art numérique pour exprimer une quantité infinie de possibilités pour son art.

DÉCOUVRIR

HYPER SHROOM

Hyper Shroom transporte le spectateur dans un monde magique où un mystérieux trio de faune vêtue de champignons règne en maître. Cette pièce nous invite à nous émerveiller devant chaque détail avec son ambiance fantastique et ses images oniriques.

JUNGLE WORLD

« Jungle World évoque la vision d’une jungle immersive et magique. »

FLOATING WOODS

Floating Woods est une scène qui m’est apparue lors de mes rêves lucides où les objets lourds peuvent flotter dans une atmosphère magique et calme. Il s’agit ici d’une vision où tout est possible »

JEREMY SEEMAN

Jeremy Seeman, alias Kinetic Graphics, est un artiste 3D d’Edmonton, au Canada. Il se concentre sur la création d’art qui juxtapose des objets réalistes se déplaçant de manière irréaliste. Ses principales inspirations sont M.C. Escher, les mathématiques, la nature et la musique. Fasciné par les phénomènes mathématiques naturels tels que la séquence de Fibonacci, Jeremy Seeman cherche à capturer cette harmonie naturelle parfaite et satisfaisante dans ses œuvres d’art. Bien qu’il y ait un élément de surréalisme et de mouvement non naturel dans ses animations, le sens général de l’harmonie et de l’équilibre est celui que l’on peut trouver dans la nature qui nous entoure et qui la reflète.

Jeremy a passé plus de dix ans dans une carrière de graphiste. Il a commencé à s’orienter vers le travail en 3D en mai 2021, puis à plein temps en mai 2022. Grâce à la liberté que l’art numérique et la vente de NFT ont procurée à l’artiste, il peut désormais consacrer son travail et sa passion à l’avancement de sa pratique artistique.

DÉCOUVRIR

CHAINS

Mouvement mécanique à échelle infinie, représentant le temps et son inévitable marche en avant.

DEEPEST EMERALDS

Une quête vers le bas dans un chasme infini. Librement basé sur le nombre d’or.

ANIMISM

Une sculpture cinétique trouvée dans la nature austère, destinée à attirer l’attention sur la beauté de la nature.

INNOVATION SHOW BY CA X ARTPOINT

L’Innovation Show by CA s’associe à Artpoint, start-up spécialisée dans l’art digital depuis 2019, pour soutenir la création d’art numérique et proposer des expériences artistiques surprenantes et innovantes à ses visiteurs. Cette semaine, vous pourrez découvrir une sélection inédite d’artistes numériques venant du monde entier qui explorent une multitude de techniques allant de l’art génératif à la 3D en passant par la photogrammétrie ou encore le collage. Laissez-vous surprendre par ces artistes 3.0 qui nous transportent dans des espaces immersifs à la frontière du réel et du virtuel. Puisque les effets positifs de l’art sur le bien-être ne sont plus à prouver, nous espérons que ces parenthèses artistiques contribueront à enrichir votre expérience et à ouvrir des opportunités d’échange.

INSCRIVEZ-VOUS À NOTRE NEWSLETTER.